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Children of Men

película de 2006 dirigida por Alfonso Cuarón

Children of Men (Hijos de los hombres, en España; Niños del hombre, en Hispanoamérica) es una película de ciencia ficción y suspenso del 2006, dirigida y coescrita por el cineasta mexicano Alfonso Cuarón. El guion, basado en la novela homónima de P. D. James (de 1992), fue acreditado a cinco escritores, con contribuciones del actor Clive Owen. La película se desarrolla en 2027, en un futuro distópico donde 18 años de infertilidad humana han dejado a la sociedad al borde del derrumbe. Inmigrantes ilegales buscan refugio en el Reino Unido, cuyo último gobierno funcional impone opresivas leyes de inmigración sobre los refugiados. Owen interpreta al empleado público Theo Faron, quien debe ayudar a una refugiada (Clare-Hope Ashitey) a escapar del caos. La película también está protagonizada por Julianne Moore, Michael Caine, Chiwetel Ejiofor y Charlie Hunnam.

Children of Men

Muñeco utilizado durante la filmación
Título
  • Hijos de los hombres (España)
  • Niños del hombre
    (Hispanoamérica)
    • Ficha técnica
    Dirección
    Ayudante de dirección Terry Needham
    Alexander Oakley
    Richard Goodwin
    Dirección artística Gary Freeman
    Malcolm Middleton
    Producción Marc Abraham
    Eric Newman
    Hilary Shor
    Iain Smith
    Tony Smith
    Diseño de producción Jim Clay
    Geoffrey Kirkland
    Guion Alfonso Cuarón
    Timothy J. Sexton
    David Arata
    Mark Fergus
    Hawk Ostby
    Basada en The Children of Men 
    de P. D. James
    Música John Tavener
    Sonido Richard Beggs
    Maquillaje Graham Johnston
    Fotografía Emmanuel Lubezki
    Montaje Alfonso Cuarón
    Álex Rodríguez
    Escenografía Jennifer Williams
    Vestuario Jany Temime
    Efectos especiales Frazer Churchill
    Tim Webber
    Protagonistas Clive Owen
    Julianne Moore
    Chiwetel Ejiofor
    Clare-Hope Ashitey
    Ver todos los créditos (IMDb)
    Datos y cifras
    País Estados Unidos
    Reino Unido
    Año 2006
    Género Drama
    Ciencia ficción
    Duración 109 minutos
    Clasificación Bandera de España 13
    Bandera de México B-15
    Bandera de Argentina 13
    Idioma(s) Inglés
    Formato 35 mm
    Compañías
    Productora Strike Entertainment
    Hit & Run Productions
    Ingenious Film Partners 2
    Toho-Towa
    Distribución Universal Pictures
    Estudio Pinewood Studios
    Presupuesto $76 000 000 (estimado)
    Recaudación $69 959 751[1]​ (mundialmente)
    Películas de Alfonso Cuarón
    Children of Men
    Ficha en IMDb
    Ficha en FilmAffinity
    [editar datos en Wikidata]

    Esta coproducción del Reino Unido y los Estados Unidos fue estrenada el 22 de septiembre de 2006 en el Reino Unido y el 25 de diciembre en los Estados Unidos. Los críticos notaron la relación entre el estreno estadounidense en Navidad y los temas del filme sobre esperanza, redención y fe. A pesar de un limitado lanzamiento y bajas ganancias en taquilla, en comparación con su presupuesto, Hijos de los hombres recibió una amplia aclamación crítica y fue reconocida por sus logros en guion, cinematografía, dirección de arte y planos secuencia de acción innovadores. Fue nominada a tres premios de la Academia: Mejor guion adaptado, Mejor fotografía y Mejor montaje. También fue nominada a tres premios BAFTA, ganando Mejor fotografía y Mejor diseño de producción, y a tres Saturn Awards, ganando el premio a Mejor filme de ciencia ficción.

    Trama

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    En el año 2027, después de 18 años de infertilidad humana global, la civilización está al borde del colapso mientras la humanidad se enfrenta a la extinción. El Reino Unido, una de las pocas naciones estables con un gobierno funcional, está inundada de refugiados que huyen de la guerra y el caos en que se ha sumido el mundo. En respuesta a esto, Gran Bretaña se ha vuelto un estado militarizado donde las fuerzas del gobierno reúnen y detienen inmigrantes. Theo Faron (Clive Owen), un exactivista devenido en un cínico burócrata, es secuestrado por Los Peces, un grupo militante de los derechos de los inmigrantes, dirigidos por su exesposa, Julian Taylor (Julianne Moore), de quien se separó después de la muerte de su hijo Dylan durante la pandemia de gripe de 2008.

    Julian le ofrece dinero a Theo para que consiga papeles de tránsito para una joven refugiada llamada Kee (Clare-Hope Ashitey), los cuales Theo obtiene de su primo Nigel (Danny Huston), un ministro del gobierno que dirige una colección de arte recuperada alrededor del mundo. Los papeles de tránsito requieren que el portador esté acompañado, así que Theo acuerda escoltar a Kee a cambio de una gran suma de dinero. Luke (Chiwetel Ejiofor), un miembro de los Peces, lleva a Theo, Julia y Kee, junto con la ex partera Miriam (Pam Ferris), hacia un bote en la costa, pero son emboscados por una pandilla armada y Julian es asesinada. Luke mata a dos oficiales de policía que detienen su auto y entierra a Julian en el bosque con la ayuda de Theo, quien rompe en llanto por la muerte de su exesposa. Luego abandonan su auto por otro para dirigirse a una casa de seguridad de los Peces.

    Allí, Kee le revela a Theo que está embarazada y que Julian le había dicho que sólo confiara en él para que la entregara al "Proyecto Humano", un supuesto grupo científico dedicado a curar la infertilidad, ubicado en los Azores. Sin embargo, Luke persuade a Kee para que se quede y más tarde es votado como el nuevo líder de los Peces. Esa noche, Theo escucha a escondidas una reunión de Luke y otros Peces donde descubre que la muerte de Julian había sido orquestada por ellos para que Luke pudiera tomar el control. También descubre que intentarán matarlo en la mañana y que planean usar al bebé de Kee como una herramienta política para apoyar la revolución que se avecina. Theo despierta a Kee y Miriam, roban un automóvil y escapan al escondite aislado de un viejo amigo de Theo, Jasper Palmer (Michael Caine), ex caricaturista político que ahora vende marihuana.

    El grupo planea abordar el barco de Proyecto Humano, Mañana, el cual llegará de alta mar al campo de refugiados de Bexhill-on-Sea. Jasper propone convencer a Syd (Peter Mullan), un guardia del campo al que frecuentemente le vende drogas, de que los pase de contrabando a Bexhill disfrazados de refugiados. Los Peces encuentran y atacan la casa de Jasper, y el grupo logra escapar mientras él se queda detrás para entretener a los Peces, antes de ser brutalmente asesinado por Luke. El grupo espera a Syd en una escuela abandonada, donde Miriam le cuenta a Theo sobre los niños recién nacidos que morían en el inicio de la crisis de infertilidad, sobre cómo "a medida que el sonido de los patios de juego se desvanecía, la desesperación se asentaba", y sobre lo extraño que es "lo que sucede en un mundo sin voces de niños". Syd los encuentra en la escuela y los transporta en autobús a Bexhill, donde ven a refugiados siendo robados, golpeados, torturados y ejecutados por policías y guardias del campo. En el viaje, Kee comienza a tener contracciones y Miriam se hace pasar por una demente para distraer a un guardia de la prisión de Bexhill, quien la lleva para que sea procesada, salvando a Kee a costa de su propia vida.

    En el campo, Theo y Kee conocen a una mujer romaní, Marichka (Oana Pellea), quien provee una habitación donde Kee da a luz a una niña. Al día siguiente, Syd los encuentra y les informa a Kee y Theo que ha estallado la guerra entre el ejército británico y los refugiados, incluyendo los Peces. Cuando descubre que han establecido una recompensa por sus cabezas, Syd intenta capturarlos, pero Marichka y Theo lo enfrentan y logran escapar, aunque en la confusión los Peces capturan a Kee y su bebé. Theo los rastrea hasta un apartamento bajo fuego pesado y confronta a Luke, quien es asesinado por un proyectil de lanzacohetes y Theo escolta a Kee hacia afuera. Impresionados por los llantos del bebé, los combatientes de ambos bandos dejan de pelear temporalmente y dejan que el grupo se vaya. Marichka guía a Theo, Kee y el bebé hacia un pequeño bote en las alcantarillas. Theo comienza a remar mientras aviones de la Fuerza Aérea Real bombardean Bexhill, Theo revela que Luke le disparó y le explica a Kee cómo sacarle los gases al bebé para calmar su llanto. Kee le dice que nombrará Dylan a la bebé, como el hijo de él y Julian, ya que "Dylan puede ser nombre de niña también". Theo finalmente pierde la vida a causa de sus heridas, justo cuando el Mañana se acerca a través de la niebla.

    El filme termina con el título de la película abocinado sobre una pantalla negra, acompañado por el sonido de niños felices jugando en el fondo.

    Reparto

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    • Clive Owen como Theo Faron, un exactivista que quedó devastado cuando su hijo murió en una pandemia de gripe.[2]​ Theo es el "arquetípico hombre ordinario" que a regañadientes se vuelve el salvador.[3]​[4]​ Contratado en abril de 2005,[5]​ Owen pasó varias semanas colaborando con Cuarón y Sexton en la visión su papel. Impresionados por las ideas creativas de Owen, Cuarón y Sexton lo trajeron a bordo como escritor.[6]​ "Clive fue una gran ayuda," dijo Cuarón a Variety. "Yo le enviaba un grupo de escenas y escuchaba sus retroalimentación e instintos".[7]​
    • Julianne Moore como Julian Taylor. Para Julian, Cuarón quería un actor que tuviera la "credibilidad de liderazgo, inteligencia, [e] independencia".[6]​ Moore fue contratada en junio de 2005, inicialmente para interpretar a la primera mujer que se embarazaba en 20 años.[8]​ "Es muy divertido trabajar con ella", dijo Cuarón a Cinematical. "Ella solo está tirando de la alfombra por debajo de tus pies todo el tiempo. No sabes dónde pararte, porque ella va a burlarse de ti".[6]​
    • Michael Caine como Jasper Palmer, el proveedor y amigo de Theo. Caine basó a Jasper en sus experiencias con su amigo John Lennon[6]​ – la primera vez que ha interpretado a un personaje que se tiraría gases o fumaría cannabis.[9]​ Cuarón explica: "Una vez que tuvo la vestimenta y lo demás y se paró frente al espejo para mirarse, su lenguaje corporal comenzó a cambiar. Michael lo amó. Creyó que él era este tipo".[9]​ Michael Phillips del Chicago Tribune nota un aparente homenaje a Schwartz (Mort Mills) en el filme noir de Orson Welles Touch of Evil (1958). Jasper llama a Theo "amigo" en español — tal como Schwartz llama a Ramón Miguel Vargas (Charlton Heston).[10]​ Las caricaturas de Jasper que se ven en su casa fueron proveídas por Steve Bell.
    • Chiwetel Ejiofor como Luke
    • Charlie Hunnam como Patric
    • Clare-Hope Ashitey como Kee, una inmigrante ilegal y la primera mujer embarazada en dieciocho años. Ella no apareció en el libro y fue escrita en el filme basada en el interés de Cuarón en la reciente hipótesis del origen singular sobre los orígenes humanos el estatus de gente desposeída:[11]​ "El hecho que este niño será el hijo de una mujer africana tiene que ver con el hecho que la humanidad comenzó en África. Estamos poniendo el futuro de la humanidad en las manos de los desposeídos y creando una nueva humanidad que brotará de eso".[12]​
    • Pam Ferris como Miriam, una partera que acompaña a Theo y cuida de Kee en su gestación hasta que llegan al refugio.
    • Peter Mullan como Syd, un guadia corrupto que trabaja en el refugio.
    • Danny Huston como Nigel, el primo de Theo y un oficial de alto rango del gobierno. Nigel dirige un programa del Ministerio de Arte, el "Arca de las Artes", el cual "rescata" trabajos de arte como el David de Miguel Ángel (aunque con una pierna rota), el Guernica de Pablo Picasso y el British Cops Kissing de Banksy. Menciona que trató de salvar la Pietà de Miguel Ángel, pero una multitud la destruyó antes que la pudiera rescatar.
    • Oana Pellea como Marichka, habitante del refugio y conocida de Syd. Siempre lleva a un leal perro consigo. Ayuda a Theo a escapar de la ciudad junto a Kee y al primer bebé librándolos de la locura de Syd.
    • Paul Sharma como Ian
    • Jacek Koman como Tomasz

    Temas

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    Esperanza

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    Hijos de los hombres explora los temas de esperanza y fe[13]​ ante futilidad y desesperación abrumadoras.[14]​[15]​ La fuente del filme, la novela The Children of Men, de P. D. James, describe lo que sucede cuando una sociedad es incapaz de reproducirse, usando la infertilidad masculina para explicar el problema.[16]​[17]​ En la novela, se hace claro que la esperanza depende de las futuras generaciones. James escribe: "Era razonable luchar, sufrir, tal vez incluso morir, por una sociedad más justa, más compasiva, pero no en un mundo sin futuro donde, demasiado pronto, las palabras 'justicia', 'compasión', 'sociedad', 'lucha', 'maldad' fueron ecos inauditos en un aire vacío".[18]​

    La película cambia la infertilidad masculina por femenina,[15]​ pero nunca explica su causa: destrucción ambiental y castigo divino son considerados.[19]​ Esta pregunta sin responder (y otras similares en la película) han sido atribuidas al disgusto de Cuarón por las películas expositivas: "Hay una clase de cine que detesto, el cual es un cine que trata de exposición y explicaciones... Se ha vuelto ahora lo que yo llamo un medio para lectores perezosos... El cine es una narrativa de rehenes. Y soy muy bueno en la narrativa como un rehén del cine."[20]​ El desdén de Cuarón por la historia de fondo y la exposición lo llevaron a usar el concepto de la infertilidad femenina como una "metáfora del desvanecido sentido de esperanza".[15]​ El "casi mítico" Proyecto Humano es convertido en una "metáfora de la posibilidad de la evolución del espíritu humano, la evolución del entendimiento humano".[21]​ Sin dictar cómo la audiencia debería sentirse con el final de la película, Cuarón la alienta a llegar a sus propias conclusiones sobre el sentido de esperanza pintado en las escenas finales: "Queríamos que el final fuera un vistazo de una posibilidad de esperanza, para que la audiencia invirtiera su propio sentido de esperanza en ese final. Así que si tu eres una persona esperanzada verás mucha esperanza y si eres una persona sombría verás una total desesperanza al final".[22]​

    Referencias contemporáneas

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    Hijos de los hombres toma un enfoque no convencional a la moderna película de acción, usando un estilo de documental y noticiario.[23]​ Los críticos de cine Michael Rowin, Jason Guerrasio y Ethan Alter observan la subyacente piedra angular de inmigración de la película. Alter nota que la película "hace un caso potente contra el sentimiento anti migratorio" popular en las sociedades modernas como el Reino Unido y los Estados Unidos, mientras que Guerrasio describe a la película como "una meditación compleja sobre las políticas de hoy".[22]​[24]​

    Para Alter y otros críticos, el soporte estructural e ímpetu por las referencias contemporáneas recaen en la naturaleza visual de la exposición de la película, que ocurren en forma de imágenes en contraposición al diálogo convencional.[24]​ Visualmente, el campo de refugiados en la película evoca intencionalmente la prisión de Abu Ghraib, el campo de detención de la Bahía de Guantánamo y El Laberinto.[21]​ Otras imágenes populares aparecen, tales como una señal sobre el campo de refugiados que dice "Seguridad Nacional".[25]​ La similitud entre las infernales, estilo cinéma vérité escenas de batalla del filme y actual cubrimiento de noticias y documentales sobre la Guerra de Irak es notada por el crítico Manohla Dargis, quien describe los paisajes ficticios de Cuarón como "zonas de guerra de extraordinaria plausibilidad".[26]​

    En la película, los refugiados son "cazados como cucarachas", reunidos y puestos en jaulas y campos, e incluso disparados, lo que lleva a críticos de cine como Chris Smith y Claudia Puif a observar los simbólicos "trasfondos" e imágenes del Holocausto.[14]​[27]​ Este tema es reforzado en la escena en la que una anciana refugiada que habla alemán es detenida en una jaula[28]​, y en la escena en la que la seguridad nacional británica desviste y golpea inmigrantes ilegales, mientras la canción de The Libertines, "Arbeit macht frei", suena en el fondo.[29]​ "Las alusiones visuales de las detenciones nazis son enervantes", escribe Richard A. Blake. "Muestra en lo que la gente se puede convertir cuando el gobierno orquesta sus miedos para su propio beneficio".[30]​

    Cuarón explica cómo usa estas imágenes para propagar el tema al usar referencias cruzadas entre eventos futuristas ficticios e incidentes y creencias reales, contemporáneas o históricas:

    Desalojan los apartamentos rusos y la siguiente toma que ves es esta mujer gimiendo, sosteniendo el cuerpo de su hijo en sus brazos. Esto es una referencia a una fotografía real de una mujer sosteniendo el cuerpo de su hijo en los Balcanes, llorando con el cadáver de su hijo. Es muy obvio que cuando el fotógrafo capturó la fotografía, estaba referenciando a La Pietà, la escultura de Miguel Ángel de María sosteniendo el cadáver de Jesús. Así que: tenemos una referencia a algo que realmente pasó, en los Balcanes, lo cual es en sí mismo una referencia a la escultura de Miguel Ángel. Al mismo tiempo, usamos la escultura de David al principio, que también es de Miguel Ángel, y tenemos por supuesto la completa referencia a la Natividad de Jesús. Así que todo fue referenciar y referencias cruzadas tanto como pudimos.[6]​

    En los créditos de cierre, las palabras en sánscrito "Shantih Shantih Shantih" aparecen como títulos finales.[31]​[32]​ La escritora y crítica de cine, Laura Eldred, de la Universidad de Carolina del Norte en Chapel Hill, observa que Hijos de los hombres está "llena de cositas que hacen un llamado a la audiencia educada". Durante una visita a su casa por Theo y Kee, Jasper dice "Shanti, shanti, shanti". Eldred nota que el "shanti" usado en la película también es encontrado al final de un Upanishad y en la línea final del poema de T. S. Eliot The Waste Land, un trabajo que Eldred describe como "devoto a contemplar un mundo vacío de fertilidad: un mundo en sus últimas temblorosas piernas". "Shanti" también es un comienzo y final común en todos los rezos hindúes y significa "paz", haciendo referencia a la invocación de la intervención divina y el renacimiento a través de un cese de la violencia.[33]​

    Religión

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    Como la Eneida de Virgilio, la Divina Comedia de Dante y los Cuentos de Canterbury de Chaucer, la cruz del viaje de Hijos de los hombres yace en lo que es descubierto a lo largo del camino, en lugar del fin de éste.[30]​ El viaje heroico de Theo a los espejos de la costa sur, su búsqueda personal de "auto-percepción",[24]​ un viaje que toma a Theo de la "desesperación y esperanza".[34]​

    De acuerdo con Cuarón, el título del libro de P. D. James (Children of men) es una alegoría católica derivada de un pasaje de escritura en la Biblia.[35]​ (Salmo 90 (89): de la KJV: "Pues vuelves al hombre hacia la destrucción; Y dices: Convertíos, hijos de los hombres"). James se refiere a su historia como una "fábula cristiana"[16]​ mientras Cuarón la describe como "casi un vistazo al cristianismo": "no quise espantarme de los arquetipos espirituales", Cuarón dijo a la Filmmaker Magazine. "Pero no estaba interesado en lidiar con dogmas".[22]​

    right
    —Ms. James's nativity story is, in Mr. Cuarón's version, set against the image of a prisoner in an orange smock with a black bag on his head, arms stretched out as if on a cross.

    Esta divergencia del original fue criticada por algunos, como Anthony Sacramone, de First Things, que llamó a la película "un acto de vandalismo", notando la ironía de cómo Cuarón removió la religión de la fábula de P. D. James, en la cual el nihilismo estéril supera al cristianismo.[36]​

    La película ha sido notada por el uso de simbolismo cristiano; por ejemplo, los terroristas británicos llamados "Peces" protegen los derechos de los refugiados.[37]​ Estrenándose en Navidad en los Estados Unidos, los críticos compararon a los personajes de Theo y Kee con María y José,[38]​ llamando al filme una "moderna historia de la Natividad".[39]​ El embarazo de Kee le es revelado a Theo en el granero, aludiendo al pesebre en la escena de la Natividad; cuando Theo pregunta a Kee quién es el padre del bebé ella declara bromeando que es virgen; y cuando otros personajes de descubren a Kee y su bebé, responden con "Jesucristo" o la señal de la cruz.[40]​ También el Arcángel Gabriel (entre otras figuras religiosas) es invocado en la escena del autobús.

    Para resaltar estos temas espirituales, Cuarón comisionó una pieza de 15 minutos al compositor británico John Tavener, miembro de la Iglesia ortodoxa cuyos trabajos resuenan con los temas de "maternidad, nacimiento, renacimiento y redención en los ojos de dios". Llamando a su partitura como una "reacción musical y espiritual a la película de Alfonso", retazos de "Fragmentos de una Oración" de Tavener contienen letras en latín, alemán y sánscrito cantados por la mezzo-soprano Sarah Connolly. Palabras como "mata" (madre), "pahi mam" (protégeme), "avatara" (salvador) y "alleluia" aparecen a lo largo de la película.[41]​[42]​

    Producción

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    • Alfonso Cuarón – director, guionista, editor
    • Timothy J. Sexton – guionista
    • David Arata – guionista
    • Mark Fergus – guionista
    • Hawk Ostby – guionista
    • Hilary Shor – productor
    • Iain Smith – productor
    • Tony Smith – productor
    • Marc Abraham – productor
    • Eric Newman – productor
    • Emmanuel Lubezki – director de fotografía
    • Jim Clay – diseño de producción
    • Geoffrey Kirkland – diseño de producción
    • Álex Rodríguez – editor
    • Jany Temime –diseño de vestuario
    • John Tavener – compositor

    La adaptación de la novela de P. D. James fue originalmente escrita por Paul Chart y reescrita después por Mark Fergus y Hawk Ostby. El estudio trajo a bordo al director Alfonso Cuarón en 2001.[43]​ Cuarón y el guionista Timothy J. Sexton comenzaron a reescribir el guion después que el director hubiera completado Y tu mamá también. Temeroso que "comenzara a cambiar de opinión",[9]​ Cuarón escogió no leer la novela de P. D. James, optando por dejar a Sexton leer el libro mientras él leía una versión reducida.[6]​[22]​ Cuarón no comenzó inmediatamente la producción, en lugar de eso dirigió Harry Potter y el prisionero de Azkaban. Durante este periodo, David Arata reescribió el guion y entregó el borrador que garantizó a Clive Owen y mandó el filme a preproducción. La experiencia de trabajo del director en el Reino Unido lo expuso a las "dinámicas sociales de la psique británica", dándole ideas para la representación de la "realidad británica".[44]​ Cuarón usó el filme The Battle of Algiers como un modelo para la reconstrucción social en preparación para la producción, presentando el filme a Clive Owen como un ejemplo de su visión de Hijos de los hombres. Para crear un margen filosófico y social para el filme, el director leyó literatura de Slavoj Žižek, así como trabajos similares.[45]​ El filme Sunrise fue influyente.[15]​

    Ambientación

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    La Naranja mecánica ayudó a la pátina futurista y golpeada del Londres de 2027.[15]​ Hijos de los hombres fue el segundo filme de Cuarón hecho en Londres, retratando a la ciudad como un personaje más, grabando single shots y planos generales de la ciudad.[46]​ Mientras Cuarón se preparaba para el filme, ocurrieron los bombardeos de Londres, pero nunca consideró mover la producción. "Habría sido imposible filmar en cualquier otro lugar que no fuera Londres por la muy obvia manera en que las locaciones fueron incorporadas al filme", dijo Cuarón a Variety, "Por ejemplo, la toma de Fleet Street mirando hacia St. Paul habría sido imposible de filmar en cualquier otro lugar".[46]​ Debido a estas circunstancias, la primera escena del ataque terrorista en Fleet Street fue filmada un mes y medio después del bombardeo de Londres.[45]​

    Cuarón escogió filmar algunas escenas en Londres del Este, una localización considerada como "un lugar sin glamour". Las locaciones fueron disfrazadas para hacerlas parecer incluso más deterioradas; Cuarón le dijo al equipo "'Hagámoslo más mexicano'. En otras palabras, mirábamos a una locación y decíamos: si, pero en México habría esto y esto. Se trataba de hacer que el lugar luciera más deteriorado. Era sobre pobreza".[45]​ También hizo uso de los sitios más populares de Londres, filmando en locaciones como Trafalgar Square y Battersea Power Station. La escena de la central eléctrica (cuya conversión en un archivo artístico es una referencia al Tate Modern) ha sido comparada con Red Desert de Antonioni.[47]​ Cuarón añadió un globo de cerdo a la escena como un homenaje a Animals de Pink Floyd.[48]​ Otras obras de arte visibles en esta escena son el David de Miguel Ángel,[30]​ El Guernica de Picasso[49]​ y el British Cops Kissing de Banksy.[28]​ Las compañías londinenses de efectos visuales Double Negative y Framestore trabajaron directamente con Cuarón desde el guion hasta la pos producción, desarrollando efectos y creando "ambientes y tomas que de otra forma no serían posibles.[46]​

    El Histórico Astillero en Chatam fue usado para filmar la escena en la casa de seguridad vacía de los activistas.[50]​

    Estilo y diseño

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    "En la mayoría de las historias épicas sci-fi, los efectos especiales sustituyen a la historia. Aquí la adelantan sin problemas", observa Colin Covert del Star Tribune.[51]​ Las vallas publicitarias fueron diseñadas para balancear una apariencia contemporánea y futurista así como para visualizar fácilmente lo que estaba ocurriendo en el resto del mundo en ese periodo, y los autos fueron hechos para parecerse a los modernos en un primer vistazo, aunque una mirada más cercana los hacía ver no familiares.[52]​ Cuarón informó al departamento de arte que el filme era el "anti-Blade Runner",[53]​ rechazando propuestas de tecnología avanzada y minimizando los elementos de ciencia ficción del escenario de 2027. El directo se enfocó en imágenes que reflejan el periodo contemporáneo.[54]​[55]​

    Planos secuencia

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    Children of Men usó varios planos secuencia largos en los cuales acciones extremadamente complejas tienen lugar. Los más largos de estos son una toma donde Kee da a luz (199 segundos; 3:19); una emboscada en un camino rural (247 segundos; 4:07); y una escena donde Theo es capturado por los Peces, escapa y corre por una calle y a través de un edificio en medio de una violenta batalla (378 seconds; 6:18).[56]​ Estas secuencias fueron extremadamente difíciles de filmar, aunque el efecto de continuidad es a veces una ilusión, añadida por efectos CGI.[57]​

    Cuarón ha experimentado con tomas largas en Grandes esperanzas, Y tu mamá también y Harry Potter y el Prisionero de Azkaban. Su estilo es influenciado por el filme suizo Jonah Who Will Be 25 in the Year 2000, una favorita de Cuarón. Cuarón recuerda: "Estaba estudiando cine cuando la vi por primera vez [Jonah] y estaba interesado en la nueva ola francesa. Jonah no era nada ostentosa comparada con esos filmes. La cámara mantiene cierta distancia y hay relativamente pocos primeros planos. Es elegante y fluida, constantemente rastreando, pero muy lentamente y no llama la atención para sí misma".[58]​

    La creación de los plano secuencia fue un proceso retador y que consumió tiempo, lo que desató preocupaciones del estudio. Tomó catorce días preparar el single shot en el que el personaje de Clive Owen busca un edificio bajo ataque, y cinco horas cada vez que quería tomarla de nuevo. A mitad de una toma, saltó sangre en el lente, y el director de fotografía Emmanuel Lubezki convenció al director de dejarla. De acuerdo con Owen, "Justo en medio de ella estamos el operador de la cámara y yo porque estamos haciendo está muy complicada, muy específica danza en la cual, cuando filmamos, tenemos que hacer que se sienta completamente aleatoria".[59]​

    La idea inicial de Cuarón de mantener la continuidad durante la escena de la emboscada al borde del camino fue descartada por los expertos en producción por ser una "toma imposible de hacer". Fresco de la cargada de efectos Harry Potter y el prisionero de Azkaban, Cuarón sugirió usar imágenes generadas por computadora para filmar la escena. Lubezki se rehusó a permitirlo, recordándole al director que tenían intenciones de hacer un filme parecido a un "documental crudo". En lugar de eso, se empleó una plataforma especial para cámara inventada por Gary Thieltges de Doggicam Systems, permitiéndole a Cuarón desarrollar la escena como una sola toma extendida.[10]​[60]​ Un vehículo fue modificado para permitir que los asientos inclinaran y bajaran a los actores fuera del camino de la cámara, y el parabrisas fue diseñado para inclinarse fuera del camino para permitir el movimiento de la camera dentro y fuera a través del frente del parabrisas. Un equipo de cuatro personas, incluidos el director de fotografía y el operador de la cámara, se montaron en el techo.[61]​

    Sin embargo, la común declaración de que las escenas de acción son tomas continuas[62]​ no es enteramente verdad. El supervisor de efectos visuales Frazer Churchill explica que el equipo de efectos tuvo que "combinar varias tomas para crear tomas largas imposibles", donde su trabajo era "crear la ilusión de un continuo movimiento de la cámara". Una vez que el equipo era capaz de crear una "mezcla perfecta", se moverían a la siguiente toma. Estas técnicas fueron importantes para tres tomas continuas: la explosión de la cafetería en la primera escena, la emboscada del auto y la escena de la batalla. La escena de la cafetería fue compuesto de "dos diferentes tomas filmadas en dos días consecutivos"; la emboscada del auto fue filmada en "seis secciones y en cuatro diferentes locaciones durante una semana y requirió cinco transiciones digitales perfectas"; y la escena de la batalla "fue capturada en cinco tomas separadas sobre dos locaciones". Churchill y el equipo de Double Negative crearon alrededor de 160 de este tipo de efectos para el filme.[63]​ En una entrevista con Variety, Cuarón reconoció esta naturaleza de las secuencias de acción de una toma: "Tal vez estoy revelando un gran secreto, pero a veces es más de lo que parece. Lo importante es cómo mezclas todo y mantienes la percepción de una fluida coreografía a través de estas diferentes piezas".[7]​

    Tim Webber de VFX house Framestore CFC fue responsable de la toma de tres minutos y medio donde Kee da a luz, ayudando a coreografiar y crear los efectos CG para el nacimiento.[46]​ Cuarón tenía intenciones de usar un bebé animatronic como el bebé de Kee con la excepción de la escena del nacimiento. Al final, dos tomas fueron filmadas, con la segunda toma ocultando las piernas de Clare-Hope Ashitey, reemplazándolas con piernas prostéticas. Cuarón estuvo complacido con los resultados del efecto, y regresó a previas tomas del bebé en forma animatronic, reemplazándolas con el bebé generado por computadora de Framestore.[57]​

    Sonido

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    Cuarón usó sonido y música para traer el mundo ficticio de malestar social e infecundidad a la vida.[64]​ Una combinación creativa pero contenida de rock, pop, electrónica, hip-hop y música clásica reemplazan a la típica banda sonora.[64]​ Los sonidos mundanos de tráfico, perros ladrando y anuncios, siguen al personaje de Theo a través de Londres, East Sussex y Kent, produciendo lo que el escritor de Los Angeles Times, Kevin Crust, llama un "retumbar de audio urbano".[64]​ Para Crust, la música comenta indirectamente en el mundo estéril de Children of Men: la versión de Deep Purple de "Hush" sonando a todo volumen en la radio del automóvil de Jasper, se vuelve una "astuta canción de cuna para un mundo sin bebés", mientras que "The Court of the Crimson King" de King Crimson hace una alusión similar con sus letras: "tres canciones de cuna en una lengua antigua".[64]​

    Entre una selección abarcadora de géneros de música electrónica, un remix de "Omgyjya Switch 7" de Aphex Twin, el cual incluye el sample de audio de 'Male This Loud Scream' de Thanvannispen,[65]​ no presente en el original (ni siquiera en la banda sonora oficial) puede ser escuchado durante la escena de la casa de Jasper, donde la "Tos de Fresa" de éste (una potente mezcla de mariguana con sabor a fresa) está siendo empaquetada. Durante una conversación entre dos hombres, "Life in a Glasshouse" de Radiohead suena en el fondo.

    Un número de pistas de dubstep, incluyendo la notable Anti-War Dub de Digital Mystikz, así como también pistas de Kode9 & The Space Ape y Pressure.[66]​

    Para las escenas de Bexhill durante la segunda mitad del filme, el director hace uso de efectos de sonido de silencio y cacofonía, tales como el disparar de armas automáticas y altavoces dirigiendo el movimiento de "fugees" (inmigrantes ilegales).[64]​ Aquí, música clásica de George Frideric Handel, Gustav Mahler y la "Threnody to the Victims of Hiroshima" de Kyrzysztof Penderecki complementan el caos del campo de refugiados.[64]​ A través del filme, Fragments of a Prayer de John Tavener es usada como un motif espiritual para explicar e interpretar la historia sin el uso de la narrativa.[64]​

    Unas cuantas veces durante el filme, se escucha un tono fuerte y agudo evocando al tinnitus. Este sonido generalmente coincide con la muerte de un personaje principal (Julian, Jasper) y hace referencia a Julian misma, quien describe los tonos como la última vez que escucharás esa frecuencia. De este modo, entonces, la pérdida de los tonos simboliza la pérdida de los personajes.[67]​

    Estreno

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    Children of Men tuvo su estreno mundial en el 63 Festival Internacional de Cine de Venecia el 3 de septiembre de 2006.[68]​ El 22 de septiembre de 2006, el filme debutó como número uno en el Reino Unido con $2.4 millones en 368 pantallas.[69]​ Debutó en un lanzamiento limitado en 16 cines de Estados Unidos el 22 de diciembre de 2006, expandiéndose a más de 1,200 cines el 5 de enero de 2007.[70]​ Para el 6 de febrero de 2008, Children of men había recaudado $69,612,678 en todo el mundo, con $35,552,383 de las ganancias generadas en Estados Unidos.[71]​

    Recepción crítica

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    Children of Men recibió aclamación de la crítica; en el sitio de reseñas Rotten Tomatoes, el filme recibió una valuación de 92% de aprobación basada en 237 reseñas de críticos; el consenso declara: "Children of men trabaja en todos los niveles: como un thriller de persecución violenta, un fantástico cuento aleccionador y un sofisticado drama humano sobre sociedades luchando por vivir".[72]​ En Metacritic, el filme tiene una calificación de 84 de 100, basada en 38 reseñas, indicando "aclamación universal".[73]​

    Dana Stevens de Slate lo llamó "el heraldo de otro bendito evento: la llegada de un gran director con el nombre de Alfonso Cuarón". Stevens elogió las escenas de la persecución automovilística y las batallas como "dos de las más virtuosas secuencias de persecución single shot que he visto".[39]​ Manohla Dargis del The New York Times llamó al filme un " thriller político magníficamente dirigido", lloviéndole reconocimientos en las largas escenas de persecución.[26]​ "Fácilmente uno de los mejores filmes del año" dijo Ethan Alter del Film Journal International, con escenas que te "deslumbran con su complejidad técnica y virtuosidad visual".[24]​ Jonathan Romney de The Independent elogió la precisión del retrato de Cuarón del Reino Unido, pero criticó algunas de las escenas futuristas como las "típicas fantasías futuristas".[28]​ La encuesta sobre los mejores filmes de 2006 a los críticos de Film Comment clasificó al filme como número 19, mientras que la encuesta de lectores de 2006 la clasificó como número 2.[74]​ En su lista de mejores películas de 2006, The A.V. Club, el San Francisco Chronicle, Slate y The Washington Post la colocaron en el número uno.[75]​ El Entertainment Weekly la clasificó como séptimo en su lista de mejores diez de fin de la década, diciendo: "El filme distópico de 2006, de Alfonso Cuarón, nos recordó que secuencias de acción cargadas de adrenalina funcionan mejor cuando el futuro luce tan mugriento como hoy".[76]​

    Peter Travers, de Rolling Stone lo clasificó como número 2 en su lista de mejores filmes de la década, escribiendo:

    "Pensé que el filme del director Cuarón sobre la fábula político futurista de P. D. James era bueno cuando se estrenó en 2006. Después de repetidas vistas, sé que "Children of men" es indiscutiblemente genial... Ninguna película en esta década estuvo más impregnada de triste belleza y acción estimulante. No miras la escena de la emboscada del auto (pura magia de la cámara) — la vives. Esa es la magia de Cuarón: te hace creer". [77]​

    De acuerdo con el análisis de Metacritic de los más frecuente y notablemente notables filmes en las listas de mejores de la década, Children of men es considerado el undécimo mejor filme de los años 2000.

    Listas de mejores diez

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    El filme apareció en las top ten lists de muchos críticos como uno de los mejores del 2006:[75]​

    En 2012, el director Marc Webb incluyó el filme en su lista de mejores 10 grandes filmes cuando Sight & Sound le pidió su voto para el BFI mejores 50 de los más grandes filmes de todos los tiempos.[78]​ En 2015, el filme fue nombrado número uno de una lista de mejores 10 películas de todos los tiempos por el blog Pop Culture Philosopher.[79]​

    Reconocimientos

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    P. D. James, quien se dice que quedó complacida con el filme,[80]​ y los guionistas de Children of Men fueron premiados con el 19 Annual SC Scripter Award, por la adaptación cinematográfica de la novela; Howard A. Rodman, presidente de la USC School of Cinematic Arts Writing Division, describe a la adaptación como "escritura y guionismo del más alto orden", aunque Gerschatt, del Frankfurter Allgemeine Zeitung, notó que el guion recuerda muy poco a la novela, en el género del bebé, el personaje que se embaraza (Julian, en la novela) y la muerte de Theo, quien de hecho no muere en la novela.[81]​ El filme también fue nominado en la categoría de Mejor guion adaptado en la 79 entrega de los premios Oscar.

    Children of Men también recibió nominaciones de la Academia a Mejor fotografía (Emmanuel Lubezki) y Mejor montaje (Alfonso Cuarón y Álex Rodríguez.[82]​ El British Academy of Film and Television Arts nominó a Children of men a Mejores efectos visuales y lo honró con los premios de Mejor fotografía y Mejor diseño de producción en los 60 British Academy Film Awards. El director de fotografía Emmanuel Lubezki ganó el premio de Mejor fotografía de largometraje en los 21st American Society of Cinematographers Awards. La Australian Cinematographers Society también premió a Lubezki con el 2007 International Award for Cinematography por Children of Men.[83]​

    The Academy of Science Fiction, Fantasy & Horror Films confirió el Saturn Award for Best Science Fiction Film a Children of Men, y recibió la nominación a Best Dramatic Presentation, Long Form por los miembros del World Science Fiction Convention.[84]​

    Versión casera

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    El HD-DVD y DVD fueron lanzados en Europa el 15 de enero de 2007[85]​ y en los Estados Unidos el 27 de marzo de 2007. El material extra incluye un documental de media hora del director Alfonso Cuarón titulado "La posibilidad de esperanza". El documental explora la intersección entre los temas del filme y la realidad con un análisis crítico por académicos eminentes: el sociólogo y filósofo esloveno Slavoj Žižek, la activista de antiglobalización Naomi Klein, el ambientalista futurista James Lovelock, la socióloga Saskia Sassen, el geógrafo humano Fabrizio Eva, el teórico cultural Tzvetan Todorov y el filósofo y economista John N. Gray; "Bajo ataque" incluye una demostración de técnicas innovadoras requeridas para la persecución en automóvil y las escenas de batallas; Clive Owen y Julianne Moore discuten sobre sus personajes en "Theo & Julian"; "Diseño futurístico" abre la puerta del diseño de producción y apariencia del filme; "Efectos visuales" muestras cómo fue creado el bebé digital. Se incluyen escenas eliminadas.[86]​ El filme fue lanzado en Blu-ray Disc en Estados Unidos el 26 de mayo de 2009.[87]​

    Véase también

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    • The Lottery, una serie de televisión de Lifetime sobre un pandemia de infecundidad
    • The White Plague, una novela de Frank Herbert sobre una plaga dirigida genéticamente desatada sobre la humanidad que mata sólo mujeres, forzando a los humanos a enfrentar el tema de la extinción.
    • Engines of Creation, un libro de no ficción de K. Eric Drexler sobre la nanotecnología que nota que la infecundidad dirigida (intencional, no intencional, benévola, malévola) es una posibilidad de nanotecnología fuerte o fabricación molecular.
    • The Camp of the Saints, una novela apocalíptica francesa de 1973 escrita por Jean Raspail, que describe la inmigración masiva del tercer mundo a Francia y el Oeste, lo que lleva a la destrucción de la civilización occidental.
    • The March, filme donde un carismático líder musulmán de Sudán lidera a 250.000 africanos en una marcha hacia Europa con el eslogan: "Somos pobres porque ustedes son ricos".

    Referencias

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    Enlaces externos

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